Bienvenida al nuevo año

No hay mejor manera de empezar el año que en compañía de la familia Strauss, padre e hijos, paseando por los jardines y palacios de Viena, sumergiéndonos en el Danubio azul.La majestuosidad de la Großer Saal del Musikverein vienés abrió sus puertas para acoger, un año más, el tradicional Concierto de Año Nuevo a cargo de la Orquesta Filarmónica de Viena que se lleva celebrando en la capital austríaca desde 1939.

Y éste año tampoco me lo perdí.

Ah, especial mención (a mí me encantó) para el especial que se emitió en televisión durante la pausa: "Music in the air", en el que varios miembros de la Orquesta Filarmónica interpretaron tanto temas clásicos como modernos, contándonos una pequeña historia de amor con lugar, dónde si no, en la capital austríaca. El Cascanueces, Spain de Chick Corea, el Vals Nº 2 de Dimitri Shostakóvic, o Clair de Lune de Debussy entre otras.

Pero éste año, había más... un fantástico regalo (dos entradas) para asistir al:

Gran concierto de Año Nuevo del Strauss Festival Orchestra

El Vals del Emperador, Cuentos de los Bosques de Viena, Voces de Primavera, Champagne y otros títulos del reputado músico austríaco regresaban al Palau de la Música, inspirados en la tradicional cita musical que anualmente se celebra en Viena.

Desde la butaca se hacia casi imposible escuchar la música y retener el pie, pues que se contagiaba inmediatamente del ritmo que emanaba el escenario.

Alegria y fuerza es lo que transmitió su admirado director Mihail Agafita, [conductor of the Symphony Orchestra of Moldova] y honrado en su país con el título de "Master in Arts".

Personalmente me quedo con los valses clásicos, la alegre polka Tritsch-Tratsch y el infernal Can-Can de Offenbach. También fueron muy divertidas; "Feuerfest" con sus martillos, "Champaña" en la que aprovecharon para desear Bon Any Nou, Barcelona, "Sin preocupaciones", "El tren de las delicias" y el cierre con Voces de Primavera. Genial.

En el Palau también hubo "Bises", la soprano nos hizo cantar "Fum, fum, fum" (aquí y con un catalán muy bueno, se ganó al público) y finalmente se cerró la función con la famosa y vibrante "Marcha Radetzky", (compuesta por Johan Stauss padre en homenaje al Mariscal de Campo del Emperador Francisco José de Austria, esposo de la no menos famosísima Elisabeth de Baviera, Sissi para los amigos). Ni que decir tiene que aplaudimos en distintos momentos de la marcha al compás de la obra mientras nos dirigía el director de la orquesta. Un clásico!

El “Gran Concierto de Año Nuevo” es toda una experiencia, una combinación de calidad, armonía y emoción que fascina y conmueve. Y La música de Strauss es la banda sonora oficial del año que despunta...

Moltes gràcies, Gemma.

Larga vida a Italia!

El pasado 12 de marzo, Silvio Berlusconi debió enfrentarse a la realidad. Italia festejaba el 150 aniversario de su creación y en esta ocasión se representó en Roma la ópera Nabucco , de Giuseppe Verdi,dirigida por el maestro Ricardo Muti.

Nabucco evoca el episodio de la esclavitud de los judíos en Babilonia,y el famoso canto "Va pensiero" es el canto del coro de esclavos oprimidos. En Italia, este canto es un símbolo de la búsqueda de la libertad (en los años en que se escribió la ópera, Italia estaba bajo el imperio de los Habsburgo).

Antes de la representación, Gianni Alemanno, alcalde Roma, subió al escenario para pronunciar un discurso en el que denunciaba los recortes del presupuesto de cultura que estaba haciendo el Gobierno, a pesar de que Alemanno es miembro del partido gobernante y había sido ministro de Berlusconi. Esta intervención del alcalde, en presencia de Berlusconi que asistía a la representación, produjo un efecto inesperado.

Ricardo Muti, director de la orquesta, declaró al "Times":

"La ópera se desarrolló normalmente hasta que llegamos al famoso canto "Va pensiero". Inmediatamente sentí que el público se ponía en tensión. Hay cosas que no se pueden describir, pero que uno las siente. Era el silencio del público el que se hacía sentir hasta entonces, pero cuando empezó el "Va Pensiero", el silencio se llenó de verdadero fervor. Se podía sentir la reacción del público ante el lamento de los esclavos que cantan: "Oh patria mía, tan bella y tan perdida."

Cuando el coro llegaba a su fin, el público empezó a pedir un bis, mientras gritaba "Viva Italia" y "Viva Verdi".A Muti no le suele gustar hacer un bis en mitad de una representación. Sólo en una ocasión, en la Scala de Milan, en 1986, había aceptado hacer un bis del "Va pensiero".

"Yo no quería sólo hacer un bis. Tenía que haber una intención especial para hacerlo" - dijo Muti -.

En un gesto teatral, Muti se dio la vuelta, miró al público y a Berlusconi a la vez, y se oyó que alguien entre el público gritó: "Larga vida a Italia!". Muti dijo entonces:

"Sí, estoy de acuerdo: "Larga vida a Italia", pero yo ya no tengo 30 años, he vivido ya mi vida como italiano y he recorrido mucho mundo. Hoy siento vergüenza de lo que sucede en mi país. Accedo, pues, a vuestra petición de un bis del "Va Pensiero". No es sólo por la dicha patriótica que siento, sino porque esta noche, cuando dirigía al Coro que cantó "Ay mi país, bello y perdido" , pensé que si seguimos así vamos a matar la cultura sobre la cual se construyó la historia de Italia. En tal caso, nuestra patria, estaría de verdad "bella y perdida".

Muchos aplausos, incluidos los de los artistas en escena. Muti prosiguió.

"Yo he callado durante muchos años. Ahora deberíamos darle sentido a este canto. Les propongo que se unan al coro y que cantemos todos el "Va pensiero"

Toda la ópera de Roma se levantó. Y el coro también. Fue un momento mágico. Esa noche no fue solamente una representación de Nabucco,sino también una declaración del teatro de la capital para llamar la atención a los políticos.

Gracies Josep, per aquest enllaç!

Una Primavera de Vivaldi

Me han pasado, mi amigo Alberto, éste enlace y me parece... fantástico!

No me resisto a ponerlo.

Gracias y a disfrutar.

Playing For Change | Redemption Song

Redemption Song
En esta canción los músicos de todo el mundo se unen junto con Bob y Stephen Marley para cantar una canción de libertad.

Este es el primer lanzamiento de nuestro nuevo disco, "canciones alrededor de la parte del mundo 2 ",

Lacrimosa (Réquiem de W.A.Mozart)

Ninguna otra obra maestra musical ha dado origen a tantas leyendas románticas y teorías especulativas como el Réquiem de Wolfgang Amadeus Mozart KV 626.

Fue la última obra de Mozart y fue incapaz de terminarla. Está considerada como una de las composiciones más importantes de la música sacra. El oscuro y misterioso mensajero que le encargó la obra sigue todavía siendo un misterio. Más tarde se supo que aquel sombrío personaje (al parecer, llamado Franz Anton Leitgeb) era un enviado del conde Franz von Walsegg, cuya esposa había fallecido. El viudo deseaba que Mozart compusiese la misa de réquiem para los funerales de su mujer, pero quería hacer creer a los demás que la obra era suya y por eso permanecía en el anonimato.
Tras la muerte de Mozart (5 de diciembre de 1791), y dejando el réquiem incompleto, su viuda, Constanze, tenía que encontrar a alguien para terminarlo, pues el Conde Walsegg-Stuppach se estaba impacientando. Después de varios intentos fallidos por Joseph Eybler, alumno de Mozart, Franz Xaver Süssmayr se hizo cargo, terminó la orquestación y agregó las secciones Sanctus, Benedictus y Agnus Dei. Esta es la razón por la última obra de Mozart sobrevive en dos volúmenes manuscritos.

Sólo el primer movimiento de la partitura encargado (es decir, el volumen que Constanze Mozart entregó al conde Walsegg-Stuppach según el acuerdo original) está compuesto por Mozart, el resto está escrito por Süssmayr. La puntuación de trabajo, sin embargo, que comienza con el Dies irae contiene todas las secciones que sobreviven en la mano de Mozart. La biblioteca imperial (hoy Biblioteca Nacional de Austria) adquirió el precioso manuscrito en diversas etapas: en 1831 y 1833 la puntuación de trabajo fue adquirida por José Eybler y Stadler Maximiliano y en 1838 la puntuación encargado de Katharina Adelpoller.

Melody Gardot

En 2003, cuando un Jeep se llevó violentamente por delante a Melody Gardot y su bicicleta, nadie imaginó que ese impacto pondría a esa chica de 19 años en el camino del jazz vocal. En su dilatada convalecencia, los consejos de un médico hicieron que Gardot cambiara los medicamentos por la guitarra y así nació -en 2006- el EP Some Lessons, (compuesto, producido, interpretado y editado por la cantante). Dos años más tarde, ya de la mano de Verve Records, llegó Worrison Heart, el disco que le abriría las puertas a ese universo de jóvenes mujeres vocalistas en el que habitan nombres como Norah Jones o Madeleine Peyiroux. Con My One and Only Thrill, Gardot comienza a ser algo más que una promesa.

Con su jazz amable con guiños al blues, el folk, el pop y la tradición de Nueva Orleans, Melody Gardot tiene asegurado un sitio destacado en la última oleada de cantantes. Ella dice que si vale para esto es porque el jazz nace del blues, el blues proviene del dolor y de dolor ella sabe bastante.

Fecha Mágica - 9.9.9

9.9.9 o lo que es lo mismo, el día 9 de septiembre de 2.009, es la fecha en que llegará a las tiendas la colección de discos originales de los Beatles remasterizados.

Este ambicioso proyecto se lleva realizando desde hace cuatro años, que es cuando comenzó el trabajo de remasterización de las cintas de Abbey Road, utilizando instrumental y equipos analógicos antiguos para respetar en todo lo posible el sonido original de las grabaciones y que éste no se alterara a su nuevo paso a digital.

En total hablamos de catorce discos que, todos juntos, se podran adquirir tambien en unacaja llamada "Stereo boxed set" La caja se llama así porque los discos han sido remezclados para dotarles de efectos stereo. Esto quiere decir que habrá una segunda caja a la venta llamada "Beatles in mono", que tendrá 10 de los discos oficiales del grupo en sus mezclas originales en mono y dos discos especiales de masters también en sonido mono.

Por que tiene delito la cosa. Los cds de los Beatles es casi imposibles encontrarlos en las tiendas a bajo precio. Nunca han estado en serie media y su precio es el de un disco de novedad, entre los 17 y 20 euros. Estos cds se llevan editando desde la aparición del soporte y nunca han sido remasterizados, sonando algunos a verdadera lata por el chapucero paso de la cinta analógica al soporte cd.

Por eso, a partir de septiembre, los discos se presentarán en condiciones, aunque supone por otra parte, un nuevo desembolso monetario por parte de los fans.

Los discos contendrán en formato digipack las portadas de las ediciones inglesas originales y completos libretos con el arte gráfico original, fotos nunca vistas y los textos sobre las grabaciones de los discos.

Puede que la banda haya muerto, pero la leyenda continúa...

Mari Trini - Ce n'est pas moi

Yo no o soy esa, que tu te imaginas... una señorita tranquila y sencilla, que un día abandonas y siempre perdona, esa niña si; no, esa no soy yo.

Yo no soy esa que tú te creías... la paloma blanca que levanta el agua, que ríe por nada diciendo sí a todo,esa niña si; no, esa no soy yo.

No podrás presumir jamás, de haber jugado con la verdad, con el amor de los demás.

Yo, la conocí en 1.971 (Mari Trini - Escuchame...) me parece que memoricé o por lo menos tarareé todas y cada una de las canciones de ese LP. 

[Escuchamé, Milord, Seré silenciosa, Canciones a mi manera, Yo no soy esa, Que seas feliz, Yo confieso, Canción vieja, etc.]

Por eso, retrocedí en el tiempo para empaparme de otros trabajos anteriores:

1.966 - El alma no venderé (L.E.Aute)

1.967 - Guitarra

1.969 - Canción vieja (Patxi Andión)  

Me encontré con "Amores" (Hispavox 1.970). Fue disco de Platino, y con este disco logró alcanzar el verdadero éxito y la fama. Recuerdo la canción que daba título al LP. ... 

"Amores se vuelven viejos, antes de empezar a amar. Porque el amor es un niño, que hay que enseñar a andar. El amor es como tierra, que hay que arar y sembrar. Míralo al caer la tarde, que no la vengan a pisar "

"Un hombre marchó" es un canción que nunca entendí, quién fue ese hombre? que representó? porqué... Un hombre marchó, dejó la casa dejó la ciudad. Se fue dulcemente, ningún reproche nada que ocultar...

María Trinidad Pérez de Miravete Mille (1947, Caravaca de la Cruz), vio marcada su infancia por una enfermedad que la obligó a permanecer en cama hasta los catorce años. Durante su convalecencia comenzó a interesarse por la música, aprovechó para aprender a tocar la guitarra y empezó a componer sus primeras canciones.

Contaba quince años cuando conoció en Madrid a Nicholas Ray, director de películas como Rebelde sin causa. 

Ray se convirtió en su representante y la convenció para viajar a Londres. Allí permaneció un año, estudiando y participando en programas de radio con Peter Ustinov.

Más tarde Mari Trini se trasladó a París, donde grabó sus primeras canciones en francés, bajo la influencia, entre otros, de Jacques Brel y Édith Piaf. Después de permanecer cinco años en Francia, regresa a españa para continuar su carrera musical.

Después de Amores y Escúchame, llegarían Ventanas, Transparencias o El tiempo y yo.

A finales de los 70, Mari Trini afrontó su primera reivindicación como artista, con el disco A mi aire (1979). Con un cambio de imagen radical, llegó a la cima de su carrera con los LP's Una estrella en mi jardín (1982) o Diario de una mujer (1984).

En el 2.005, la SGAE le dio un homenaje por los más de 10 millones de copias vendidas durante su carrera.

La recuerdo, además de como cantante y compositora, como una persona comprometida, luchadora y a la vez con una enorme discreción. Era una mujer inteligente que brillaba en aquella televisión en blanco y negro poblada de cantantes melódicos de la época.

Coincidencia, nos dejó justo cuando se cumplían 15 años de la muerte de Kurt Cobain... quien dejó escrito en su carta de despedida "es mejor quemarse que apagarse lentamente".

Nunca había pensado que ambos personajes podrían alinearse en una misma dirección. No obstante, son dos personajes rebeldes, críticos, con un nexo de unión: la música y a ambos se les ha escuchado aunque por generaciones indolentes. Sólo que ella prefirió ir apagándose (como hacemos todos al fin y al cabo) que quemarde.

Amores se van marchando, como las olas del mar....

Like a rolling stone

En diciembre de 2004, la revista Rolling Stone eligió como mejor canción de todos los tiempos a Like a rolling stone, canción de Bob Dylan (de su álbum Highway 61 Revisited) declarando:

"Ninguna otra canción pop ha retado y transformado tanto las reglas comerciales y las convenciones artísticas de su época".

Like a rolling stone se grabó el 16 de junio de 1965 en los estudios de Columbia Records, en el edificio 799 de Seventh Avenue (N.Y.)  

Los responsables de la obra en cuestión fueron Bob Dylan (compositor y cantante, acompañado de su guitarra eléctrica y armónica), Michael Bloomfield (guitarra eléctrica solista), Al Cooper (órgano Hammond), Paul Griffin (piano), Joe Mack (guitarra baja), Bobby Gregg (batería) y Bruce Langhorne (pandereta).

Se grabó mediante toma directa de sonido por líneas de micro en una grabadora magnética de cuatro pistas. En la mezcla no hubo necesidad de hacer ningún retoque.

Highway 61 Revisited, era el sexto álbum de estudio de Bob Dylan y el primero que grababa de forma completa con una banda de rock. Está considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. 

El propio Dylan comentó al respecto: "No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía".

Con ésta grabación, Dylan pasaba de profeta del folk a ser un traidor y encontrar en la música electrónica y el rock sus nuevas latitudes. 

Para añadir un ingrediente más a la leyenda, Bob Dylan será abucheado durante su interpretación de Like a rolling stone en el festival de flok de Newport, en julio, a los pocos días de publicarse el single. El Folk lo despide agriamente. El Rock ha ganado una estrella.

La canción, se refiere a un viejo refrán y no al grupo británico de rock. En su letra habla de una joven de alta sociedad venida a menos. Desde que salió la canción se desataron las especulaciones sobre quien sería la dama aludida. Muchos creen que se trata de Edie Sedgwick, modelo que tuvo una relación con Andy Warhol y luego con el propio Dylan, y otras teorías son que la letra se refiere a Joan Baez...

Hay múltiples traducciones de Like a rolling stones. Incluso hay debate sobre las mismas y hasta hay qquien opina que las traducciones son innecesarias. Es indudable que la fuerza de ésta canción está sobre todo en esa magistral interpretación vocal de Bob Dylan. Y esa performance está propulsada por la fabulosa historia que narran las cuatro estrofas de la que probablemente sea la canción más importante de todos los tiempos.

La letra original la encontrareis en http://www.bobdylan.com/songs/rolling-stone

Y no, la frase mítica no hace referencia ni a un famoso grupo de rock, ni a ninguna piedra. "Rolling Stone" es "una persona que no está dispuesta a asentarse en ningún sitio", en definitiva, un vagabundo, un "bala perdida". Me quedo con esa última traducción.

Like A Rolling Stone - Como una bala perdida

Hubo un tiempo en el que te vestías tan bien
Tirabas una moneda a los vagabundos, estabas en tu mejor momento, ¿o no? 
La gente te llamaba y te decía “ten cuidado, muñeca, porque acabarás cayendo”
Te pensabas que bromeaban
Te solías reir
De los que salían por ahí
Ahora ya no hablas tan alto
Ahora ya no pareces tan orgullosa
De tener que mendigar tu próxima comida

¿Qué se siente?
¿Qué se siente
Al no tener un hogar
Como una total desconocida
Como una bala perdida?

De acuerdo, has ido al mejor colegio, Señorita Solitaria
Pero sabes que lo único que hacías ahí era emborracharte
Y nadie te enseñó jamás cómo vivir en la calle
Y ahora te das cuenta de que vas a tener que acostumbrarte a ello
Dijiste que nunca te entenderías
Con el Misterioso Vagabundo, pero ahora te das cuenta
De que no te va a vender ninguna excusa
Mientras miras al vacío de sus ojos
Y le preguntas ¿quieres hacer un trato?

¿Qué se siente?
¿Qué se siente
Al estar sola
Sin un camino a casa
Como una total desconocida
Como una bala perdida?

Nunca te diste la vuelta para ver las muecas de los malabaristas y los payasos
Cuando se acercaban a ti para hacer sus trucos
No, nunca comprendiste que no está bien
No deberías permitir que otra gente recibiera patadas por ti
Solías montar en el caballo cromado con tu diplomático
Que llevaba en el hombro un gato siamés
¿No resulta duro descubrir
Que realmente no era ese el sitio de prestigio que buscabas
Después de robarte todo lo que pudo?

¿Qué se siente?
¿Qué se siente
Al estar sola
Sin un camino a casa
Como una total desconocida
Como una bala perdida?

Princesa en la torre y toda la gente guapa
Bebiendo y pensando que lo tienen todo hecho
Intercambiando todo tipo de preciosos regalos
Pero más vale que cojas tu anillo de diamantes, y que lo empeñes
Te solías divertir tanto
Con ese Napoleón harapiento y el lenguaje que usaba
Ve con él, te llama, y no puedes negarte
Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder
Eres invisible ya, no tienes secretos que ocultar

¿Qué se siente?
¿Qué se siente
Al estar sola
Sin un camino a casa
Como una total desconocida
Como una bala perdida?

João Gilberto

Su nombre completo es João Gilberto Prado Pereira de Oliveira, considerado, junto con Antonio Carlos Jobim (Tom Jobim), uno de los creadores de la Bossa-Nova, movimiento renovador de la música brasileña. 

Ha sido llamado O Rei da Bossa (El Rey de la Bossa), O Mito (La leyenda), Il Maestro Supremo y O-Baiano Zen (El Zen de Bahia).

Aclamado como un genio, considerado un excéntrico solitario, y posiblemente el brasileño -vivo- más enigmático, Joao Gilberto sigue dividiendo a sus compatriotas cuarenta años después de irrumpir en la escena pública y cambiar para siempre la música 

brasileña.

Nació el 10 de junio de 1931 en Juazeiro, una pequeña ciudad de provincias en el interior del estado de Bahía. A  Joãozinho le regaló su primera guitarra su abuelo a los 15 años convirtiéndose en una prolongación de su cuerpo y todavía hoy no ha dejado de tocar éste instrumento que aprendió a tocar sin profesor.

 

A los 18 años se fue a Salvador (capital del estado) para probar suerte como cantante de radio, pero no obtuvo éxito. Es en 1950 cuando se traslada a Rio de Janeiro y obtiene algún éxito cantando con la banda Garotos de Lua (Niños de la Luna), pero le expulsan de la banda por rebeldía y pasa algunos años sin trabajo, lógicamente sin dinero y casi si amigos. Durante esa época nadie le contrata y su orgullo le impide aceptar trabajos que considera denigrantes, como cantar en clubes donde la gente habla durante la interpretación. 

A lo largo de su primera década en Río y hasta que se casó con Astrud Weinert, Joao nunca tuvo un hogar propio, fue siempre un "invitado permanente" en los apartamentos de un amigo tras otro, siendo sus contribuciones más significativas, su inteligente conversación y la cautivadora música que tocaba.  

En 1955 su amigo Luís Telles consigue sacarle de la "influencia" de Río y le lleva a Porto Alegre donde Joao "altera" la vida nocturna actuando en Clube da Chave, donde la gente se sentaba durante horas para escucharle hablar o tocar su guitarra.

Tras el hechizo de Porto Alegre, su ego sale reforzado y se instala en Diamantina, donde su hermana mayor Dadainha vive con su marido. Allí, se pasa todo el tiempo tocando, incluso repite el mismo acorde de innumerables maneras. Descubre que el cuarto de baño posee una acústica ideal para escuchar su voz y su instrumento; allí es dónde experimenta.

Descubre que cantando en silencio y sin vibrato, es capaz de acelerar o ralentizar su voz en relación con la guitarra, creando así su propio ritmo, aprende a cambiar la forma de los sonidos que emite con la nariz y la boca, incorporando a su música las mejores características de sus ídolos. 

En el intento de reproducir el ritmo de los ensayos realizados, compuso "Bim-Bom", la primera canción de bossa nova.

A finales de 1956 vuelve a Río y renueva su amistad con viejos colegas, pero de todos los contactos que realiza, el más importante es con Tom Jobim, pianista y compositor con educación clásica pero a quien también la gustaba la música jazz estadounidense.

Cuando Tom escuchó la interpretación de "Bim-Bom" por Joao, quedó impresionado no ya por la voz, sino por la guitarra.  

Reconoció de inmediato las posibilidades que se abrían: se simplificaba el ritmo de samba y del espacio para incluir las armonías modernas que Tom estaba creando. De entre sus composiciones, para ver cómo podría funcionar el nuevo ritmo, encontró una canción que había escrito con Vinicius de Moraes, al menos un año antes. La canción fue "Chega de Saudade" (Basta de Nostalgia).

                                                                                                                              

Chega de Saudade es universalmente reconocida como la canción que lanzó tanto el movimiento de la bossa nova, como la carrera de Joao Gilberto. 

Durante los tres siguientes años grabó tres álbumes de bossa nova: 

Chega de Saudade (Odeon, 1959)

O Amor, o Sorriso ea Flor (Odeon, 1960) 

Joao Gilberto (Odeon, 1961). 

Los tres discos se han reeditado en el Cd 

El Legendario João Gilberto (Mundo Pacífico, 1990)

En 1961, el departamento de Estado de los EE.UU organizó un tour de jazz por América Latina. Uno de los músicos de la gira fue el guitarrista Charlie Byrd, quien quedó extraordinariamente impresionado al oir la música de Joao Gilberto y Tom Jobim. De vuelta a los EE.UU. enseñó una de las grabaciones de Joao a su amigo el saxofonista Stan Getz. Éste dijo dos décadas mas tarde: "inmediatamente me enamoré de él..."

Charly Byrd había intentado vender esa grabación a diferentes compañías, pero ninguna lo compró.

Getz y Byrd grabaron el LP Jazz Samba (Verve, 1962) y se convirtió en un impresionante éxito que estuvo 70 semanas en las listas de éxitos, alcanzando el número uno en la clasificación. 

Stan Getz, convertido en una superestrella, grabaría una serie de cuatro álbumes de bossa nova, entre los que destaca Getz/Gilberto (Verve, 1964), con Joao, Astrud y Tom. 

Si hay un disco que describe en toda su amplitud lo que llegó a ser la bossa nova en los años 60, con toda su repercusión mediática y su mezcla exquisita con el jazz más cool, ése es el disco que Stan Getz y Joao Gilberto grabaron con canciones de Antonio Carlos Jobim y que titularon Getz / Gilberto.

Un disco antológico, perfecto desde el comienzo (Garota de Ipanema) hasta el fin (Vivo Sonhando), donde el saxo tenor de Getz suena más emotivo y cálido que nunca junto a la guitarra de Joao, dándole un sabor si cabe más especial a las delicadas composiciones de Jobim, que suenan más espectaculares que nunca. El disco define la perfecta unión entre el jazz y la bossa nova.

Pues bien, éste hombre, éste músico considerado junto con Antonio Carlos Jobim uno de los creadores de la bossa-nova, actúa en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona el día 1 de Junio.

Os lo recomiendo, no os lo perdais. 

Yo ya tengo mis entradas!!